Mostrando las entradas para la consulta Caravaggio ordenadas por relevancia. Ordenar por fecha Mostrar todas las entradas
Mostrando las entradas para la consulta Caravaggio ordenadas por relevancia. Ordenar por fecha Mostrar todas las entradas

viernes, 15 de septiembre de 2017

Il Caravaggio, Cautivante Genio del Barroco Italiano

Caravaggio (1571 - 1610)

En 1606 durante una partida de juego de pelota, una especie de tenis primitivo, Michelangelo Merisi da Caravaggio asesina a su adversario, Ranuccio Tomasoni, y debe exiliarse. Huyendo de su captura, el pintor de carácter pendenciero llega a Nápoles. Tan sólo cuatro años después, moría uno de los artistas que revolucionó el arte con técnica exquisita; retrató gente común y su realismo deslumbró a contemporáneos. 

En su breve vida de visionario -apenas 39 años-, y con una incipiente formación artística en Milán, Caravaggio llega a Roma en 1590. Durante esta década recibe importantes encargos de pintura religiosa por parte del cardenal Francesco del Monte pero era muy criticado por sus contemporáneos, ya que el realismo de sus personajes era aún incomprendido: representar un santo como un mundano rompía los códigos del momento. Pero fue el mismo Del Monte quien le realizó a Caravaggio el primer encargo público, la decoración para la Capilla Contarelli con las historias de San Mateo. Estas obras, que serán llevadas a cabo en el año 1600, marcan un punto de inflexión en su carrera ya que, hasta ese momento, Caravaggio trabajaba en formatos medios y, en esta oportunidad, arribaba a formas de grandes dimensiones. 

El artista no miró hacia el mundo clásico sino que buscó su propio estilo y así de osado como fue en su pintura, también lo fue en su vida. Su cercanía con el poder lo ayudó a huir de Roma cuando asesinó a Tomasoni. Gracias a la protección recibida se asienta en Nápoles y, allí, se gana un prestigioso lugar como pintor. Al poco tiempo, se va hacia Malta y después a Sicilia. Una vez conseguido el indulto, logra volver a Roma, donde muere en plena juventud. 

Aunque Caravaggio no tuvo taller donde formar alumnos o seguidores, atrajo hacia sí la mirada de sus contemporáneos, ya que sus sucesivos desplazamientos por las ciudades hicieron que su obra se difundiera con facilidad e influyó en generaciones de artistas, los denominados "caravaggistas", es decir los influenciados por el trabajo del claroscuro, lo que lo alejaba del esquema compositivo renacentista y su rigurosa construcción espacial. Dentro de este grupo de artistas seguidores aparece, llamativamente, una artista mujer: Artemisia Gentileschi.

La marca de su obra fue plantear personajes fácilmente reconocibles y populares alejados de cualquier idealización, es decir que Caravaggio buscó un estilo más realista dentro de la espiritualidad de la época.

Flagelación de Cristo

Crucifixión de San Pedro

Amor Victorioso

Ecce Homo

Jugadores de Cartas

Medusa

Narciso

Chico mordido por una Lagartija

La Buena Ventura

Bacco Adolescente

La Captura de Cristo

Siete Obras de Misericordia

lunes, 8 de diciembre de 2025

🎄 Especial Diciembre: La Natividad con San Lorenzo y San Francisco – Caravaggio (1609) 🎄


Esta obra, también conocida como La Natividad de Palermo, es una de las pinturas más famosas y misteriosas de la historia del arte. No muestra la típica escena dulce: aquí aparece el dramatismo inconfundible de Caravaggio, con su luz violenta y sus sombras profundas.

El claroscuro ilumina al Niño y a María con una luz suave, casi doméstica.

La escena es muy humilde, María sentada en el suelo, cansada, sin idealización alguna.

La presencia de San Francisco y San Lorenzo, ambos envueltos en una devoción silenciosa.

En esta pintura, el ángel es el único que rompe la gravedad del suelo. Su verticalidad, su gesto suspendido son lo más etéreo, lo más “celestial” del cuadro.

Ese contraste entre la luz divina y la humanidad agotada es, quizá, la huella más inconfundible de Caravaggio.

A la belleza del cuadro se suma un aura de leyenda: fue robado en 1969 y nunca apareció. Ese misterio —probablemente ligado a la mafia siciliana— terminó por convertir la pintura en una pieza casi mítica.

    ✧༺♥༻✧ ✧༺♥༻✧ ✧༺♥༻✧✧༺♥༻✧✧༺♥༻✧

viernes, 27 de agosto de 2021

El Asombroso Repertorio Iconográfico de Georges de La Tour

Georges de La Tour fue un pintor especializado en escenas religiosas de claroscuro. Al igual que Vermeer, La Tour sería materialmente desconocido durante más de dos siglos: Vermeer, hasta fines del XIX, y la Tour ya entrado el siglo XX. Parece inverosímil que dos monstruos geniales compartieran tan ingrato destino, pero así fue. 

Georges de La Tour empezó pintando obras luminosas y coloridas, pero tras conocer el arte de Caravaggio empezó a pintar con un estilo tenebrista, aunque con una particularidad: la fuente de la luz viene de dentro de la propia composición del cuadro, por lo general a partir de velas. En las pinturas de Caravaggio, en cambio, la luz provenía de un foco de origen impreciso. 

La historia del francés La Tour (1593-1652) supone una paradoja en el mundo del arte: gozó de reconocimiento en vida pero durante décadas cayó en un olvido absoluto y fue “redescubierto” al mundo por un grupo de investigadores a principios del siglo XX. 
Hoy en día está valorado como uno de los artistas más importantes del siglo XVII en Francia; por su personalísimo estilo y su dominio de la luz que situaba en un punto concreto creando atmósferas únicas que irradian emoción. 

Tal vez su caída en el ostracismo se deba, en parte, a que muy pocas de sus obras estaban firmadas y datadas; incluso se atribuyeron por su características a otros autores españoles como Zurbarán, a un joven Velázquez o incluso a la escuela flamenca. 

De de La Tour sólo se conservan cuarenta pinturas. En una primera etapa, el pintor de los óleos de luz fría cae fascinado por los humildes de los bajos fondos como mendigos, prostitutas y músicos callejeros, a los que retrata con un realismo muy preciso en los detalles. Reviste sus vidas de dignidad en unas impactantes escenas que a su vez muestran violencia, y la desolación de la pobreza más extrema. 

Con el tiempo los tipos físicos retratados se fueron dulcificando en sus pinceladas, ya no serían tan lóbregos y fríos sus personajes. La crudeza de los mendicantes de los primeros tiempos contrasta con la delicadeza que exhibe tiempo más tarde en las austeras pinturas de temática religiosa. 

Todas las obras destacan por su sobriedad y apenas ofrecen motivos sagrados que den pistas sobre su contenido ya que los ángeles de De La Tour no tienen alas, y sus santos carecen de halo. La crítica francesa lo denomina “religiosidad laica”: que vendrían a ser obras en las que el autor humaniza a las figuras divinas. 

La Adoración de los Pastores
St. Sebastian cuidado por Santa Irene
San José, Patrono de los Carpinteros y su hijo Jesús
La Adoración de los Pastores
The Penitent Magdalen
The Newlyborn Infant
Le Tricheur
Rixe de Musiciens
La Buenaventura
St Sebastian with Lantern

viernes, 8 de mayo de 2020

Medusa, de Michelangelo Merisi da Caravaggio

Ahora que los salones de peluquería están cerrados, recordé a la celebérrima obra "Medusa", del año 1597. 
Hablando en serio, para apreciar mejor esta pintura es importante conocer sus antecedentes. Una gorgona es una criatura femenina aterradora de la mitología griega, y Medusa era una gorgona con melena de serpientes. Era tan repulsiva, que quien la miraba, se convertía en piedra. 
Perseo, el héroe griego, recibió un escudo de la diosa Atenea para que pudiera evitar mirarla mientras la decapitaba. 
Aquí la vemos retratada justo en el momento del autoreconocimiento cuando, todavía consciente, se da cuenta de que su cabeza y su cuerpo ya no eran uno. De ahí el horror en sus ojos. 
Este es un maravilloso ejemplo del enfoque que Caravaggio pone en la expresión fisionómica o facial en sus obras. El maestro utiliza contrastes oscuros y claros con tanta eficacia que Medusa se ve tridimensional.


lunes, 19 de febrero de 2018

Tiziano, Poeta de la Imagen

Después de los grandes logros de los artistas renacentistas en la Florencia del siglo XVI, la creatividad se refugió en Venecia, más precisamente, en las manos del maestro del color, de la luz y de la sensualidad: Tiziano Vecellio, reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas".

Tiziano (Pieve di Cadore, Belluno, Véneto, circa 1477/1490 - Venecia, 27 de agosto de 1576) por muchos años no tuvo par en su capacidad para transmitir aún más emociones al encanto infinito del arte italiano. 

Pintó para el Papa Pablo III, el Rey Felipe II de España y el Sacro Emperador Carlos V porque sabía hacerlo como ningún otro, no dibujar, sino trabajar, y volver a trabajar, la pintura directamente sobre el lienzo, con la seguridad de la mezcla de color y la pincelada, que era insuperable. Pero en su dilatada carrera atravesó muchas y diferentes etapas en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.

La producción de escenas mitológicas sensuales y decorativas, fueron llamadas "poemas" por el propio artista por su carácter idílico y distante.
Un biógrafo relató una historia contundente sobre Tiziano y el emperador Carlos V, quien cierta vez tomó una brocha para él, a lo que Tiziano respondió: "Señor, no soy digno de semejante sirviente". El Emperador respondió: "Tiziano es digno de ser servido por César". 
La reputación de Tiziano creció y se extendió a lo largo de las siguientes décadas y sus obras tuvieron profunda influencia en innumerables generaciones de artistas. 
Como ejemplo cabe decir que inspiró a Peter Paul Rubens, Diego Velázquez, Caravaggio, Anthony van Dyck y muchos artistas que lo siguieron, no sólo inmediatamente después, sino hasta bien entrado el siglo XX y XXI.  

Venere e Adone

Milagro del Marido Celoso

Alegoría de las Tres Edades de la Vida

Polittico Averoldi

Il Baccanale degli Andrii

Baco y Ariadna

Cristo Porta la Croce

Diana and Actæon

El Hombre del Guante

Noli me Tangere

Carlos V a Caballo en Mühlberg

Ritratto di Paolo III con I Nipoti Alessandro e Ottavio Farnese

Asunción de la Virgen

Venus and Lute Player

Venus de Urbino

Concerto Campestre

Portrait of  Clarissa  Strozzi

Amor Sacro y Profano

The Gipsy Madonna

La Gloria

lunes, 23 de octubre de 2023

13 de las Obras Maestras más Aterradoras de la Historia del Arte

Acorde al espíritu de la temporada, he reunido una espeluznante selección de pinturas: monstruos, calaveras, decapitaciones, arañas, serpientes, animales híbridos, máquinas imaginarias... el arte caótico y macabro logra un equilibrio perfecto entre peculiaridades inquietantes, llamativas y horrores que nos provocan pesadillas. 

Spooky, spooky halloween!🎃👻🎃🎃🧙‍♂️🎃🎃

 Artemisia Gentileschi, “Judith Slaying Holofernes,” 1614–1620
The Face of War. Salvador Dalí, 1940
Théodore Géricault, “The Severed Heads,” c. 1810
Utagawa Kuniyoshi, “Takiyasha the Witch and the Skeleton Specter” c. 1844
Paul Cézanne, “Pyramid of Skulls,” 1901
Francisco de Goya,
“Saturn Devouring His Son,” c. 1819–1823
Pieter Bruegel the Elder, “The Triumph of Death” 1562
Frida Kahlo, “Girl with Death Mask (She Plays Alone)” 1938
Odilon Redon, “The Smiling Spider,” 1887
Michelangelo Merisi da Caravaggio, “Medusa,” 1597
Edvard Munch, “The Scream,” 1891
Hieronymus Bosch,
“The Garden of Earthly Delights,”
c. 1500–1505 (Detalle)
Henry Fuseli, “The Nightmare,” 1781