Sergio Martínez, la Elegancia y el Existencialismo

Sergio Martínez adhiere al realismo descriptivo, el estilo del artista plástico chileno me gusta mucho; sus dibujos son detallistas. Las imágenes son intensas en luz y forma y de este modo estructura un perfil romántico y existencialista.

Rene Magritte. Surrealismo, Magia y Modernidad Encantada

No siempre se requiere que un narrador use muchas palabras para hacer una historia completa. Una sola línea puede transmitir un mensaje profundo y posiblemente dejarte con una amplia gama de interpretaciones. Esto mismo se puede decir de las obras de Rene Magritte, con la diferencia que sus creaciones son una colección de objetos normales organizados de manera que dan lugar a situaciones contextuales surrealistas. Esto es bastante diferente a otros artistas del mismo género que mezclaron imágenes oníricas con formas abstractas.

Los surrealistas recurrieron con frecuencia al simbolismo oculto y cultivaron la imagen tradicional del artista como mago, vidente y alquimista, considerando la magia como un discurso poético y filosófico, de hecho existen pinturas icónicas que reflejan poderosamente el diálogo de los surrealistas con la tradición ocultista.  

Como decía, aunque Magritte (1898 - 1967) es uno de los pintores de la citada corriente más destacados, y desarrolló un estilo ingenioso y reconocible al instante, él ubicó objetos familiares en situaciones extrañas. Sus obras se caracterizaron por símbolos particulares: el torso femenino, una manzana verde flotando en el aire, el "hombrecito" burgués, el bombín, el castillo, la roca, la ventana y otros objetos comunes, ubicados en situaciones inusuales o inquietantes.

Es el misterio, la sensación de asombro, su canon de dimensiones planas e imágenes congeladas lo que atrae de Magritte y lo hace tan diferente de la mayoría de sus compañeros del sin sentido.   

Según el propio maestro belga, la pintura representa una naturaleza sutil de la humanidad. “Mis pinturas son imágenes visibles que no ocultan nada; evocan misterio y, de hecho, cuando uno ve uno de mis cuadros, se hace esta simple pregunta: ¿Qué significa eso? -No significa nada, porque el misterio tampoco significa nada, es incognoscible”. Declaración que hace que me empeñe más en descifrar algún mensaje.

El Falso Espejo

Golconda - Llueven Hombres

The Lovers

Mysteries of the Horizon

Not to be Reproduced

Personal Values

The Son of the Man

The Blank Signature

The Menaced Assassin

Man in a Bowler Hat

Píldora de Arte: "Cristo Muerto" por Andrea Mantegna, Maestro de la Perspectiva y el Escorzo

Que no tenga asignada una tortuga ninja no quiere decir que no tenga importancia en la historia del arte. Todo lo contrario: Mantegna fue uno de los grandes renovadores del arte occidental. Reivindiquemos entonces a uno de los más grandes pintores del Quattrocento italiano, genio del caballete que terminó olvidado y en la indigencia: il Signore Andrea Mantegna.

El artista -ampliamente conocido por sus experimentos sobre la ilusión del espacio- vino al mundo posiblemente en 1431 en una pequeña localidad del Véneto entre Vicenza y Padua y partió de éste en 1506.

La figura humana clásica era una de sus obsesiones y reflejó en sus obras cuerpos de perfectas proporciones, sólidos y de gran expresividad. Es decir, mejoró el método para dibujar las figuras en perspectiva, lo cual fue un invento difícil y admirable.  

Como ejemplo visitemos la obra Cristo Muerto, este es uno de los escorzos más espectaculares de la historia de la pintura; Jesús yace sobre una losa de mármol de forma casi perpendicular al espectador, y debido al contraste de luces y sombras la escena transmite una profunda desolación a quien la contempla. 

Aunque fue un tema muy común en el Renacimiento, nunca hasta ese momento se había mostrado tan crudamente y de forma tan trágica, el carácter definitivo de la muerte.

Lamentación de Cristo Muerto

Matthias Grünewald, Pasiones del Alma y Misterios Espirituales

Siguiendo con los talentos del Renacimiento del Norte, en esta oportunidad presento a Matthias Grünewald, cuyo nombre original era Mathis Gothardt (circa 1480- 1528). Este pintor renacentista alemán no es tan reconocido internacionalmente pero su trabajo merece ser disfrutado con más amplitud.

El legado devocional que dejó logra transmitir una expresividad visionaria a través del color intenso, irisado y melancólico. Es francamente genial. Son piezas de arte asombrosas y sobresalientes, trabajos ideales para disfrutar esta Semana Santa.

Madonna de Stuppach

 Crucifixión

Resurrección

Melencolia l, de Albrecht Dürer

Melencolia I es un grabado, una obra maestra de 1514 del artista renacentista alemán Albrecht Dürer. El tema central de la impresión es una figura femenina alada enigmática y sombría que se cree es una personificación de la melancolía. Está sosteniendo su rostro con el puño cerrado y mira más allá de la escena frente a ella. 

El área está llena de símbolos y herramientas asociadas con la artesanía y la carpintería, que incluyen un reloj de arena, balanzas, un cepillo de mano, un martillo y una sierra y otros objetos que se relacionan con la alquimia, la geometría o la numerología. 

Detrás de la figura hay una estructura con un cuadrado mágico incrustado y una escalera que va más allá del marco. El cielo contiene un arcoiris, un cometa o un planeta y una criatura parecida a un murciélago que lleva el texto que se ha convertido en el título de la impresión.

El grabado de Dürer es una de las estampas de maestros antiguos más conocidos que existen, pero, a pesar de una vasta literatura histórico-artística, se ha resistido a cualquier interpretación definitiva. Es una compleja y enigmática alegoría.

Durero pudo haber asociado la melancolía con la actividad creativa; la mujer puede ser una representación de una musa, esperando inspiración pero temerosa de que no regrese. 

Otros historiadores del arte ven la figura como una reflexión sobre la naturaleza de la belleza o el valor de la creatividad artística a la luz del racionalismo, o como una obra deliberadamente oscura que destaca las limitaciones del arte alegórico o simbólico. Como vemos, la obra sigue siendo un gran misterio.

El historiador de arte Erwin Panofsky, cuya escritura sobre la impresión ha recibido la mayor atención, detalló su posible relación con la concepción de la melancolía de los humanistas del Renacimiento. Resumiendo, escribió que "la influencia de Melencolia I de Durero —la primera representación en la que el concepto de melancolía se trasplantaba del plano del folclore científico y pseudocientífico al nivel del arte— se extendió por todo el continente europeo" y se prolongó durante más de tres siglos.

Albrecht Dürer, el Humanista

La vívida imaginación y dominio técnico le valieron a Albrecht Dürer un gran reconocimiento y ventas constantes; con frecuencia recibió encargos para crear retablos y retratos pintados, incluidos trabajos para figuras eminentes como el emperador Maximiliano I.

Pero aunque fue un pintor exitoso, prefirió el medio más lucrativo del grabado y el arte más personal del dibujo, los cuales le permitieron un mayor grado de libertad artística. 

Un viaje a Italia entre 1505 y 1507 lo inspiró a continuar su estudio de la perspectiva lineal y el humanismo, actividades intelectuales que dieron forma a su arte. Hacia el final de su vida, Durero se centró en su legado escrito, que incluía tratados sobre proporciones humanas y geometría.

Sus acuarelas lo marcan como uno de los primeros paisajistas europeos, mientras que sus ambiciosos grabados en madera revolucionaron el potencial de ese medio.

Los grabados establecieron su reputación en el Viejo Mundo y desde entonces ha sido considerado convencionalmente como el más grande artista del Renacimiento en el norte de Europa.

Sus obras aún famosas incluyen los grabados en madera de El apocalipsis, El caballero, la muerte y el diablo, San Jerónimo en su estudio y Melencolia I, que ha sido objeto de extensos análisis e interpretaciones y merece una entrada especial. 

La temprana muerte del artista en 1528 suscitó elogios de todas partes, incluso hoy sigue siendo uno de los artistas más admirados en la historia del arte alemán.

El Renacimiento del Norte es mágico. Increíble. Brillante. El mismo Dürer, El Bosco, Grünewald y Bruegel, por nombrar sólo algunos, simplemente son de lo mejor.

Melencolia l 

Autorretrato a la Edad de 28 Años, circa 1500

Apocalypse

Saint Jerome in his Study

Adam & Eve

Feast of Rose Garlands

Madonna with the Siskin

Madonna y el Niño con una Pera

Knight, Death and the Devil

Lucia Heffernan, Inspirada por el Amor hacia los Seres que hacen de este Mundo un Lugar Mejor

La diseñadora gráfica y pintora al óleo Lucia Heffernan continuamente está experimentando con diferentes estilos de realismo contemporáneo mientras equilibra ingenio, técnica y un sentido del humor único.

La fascinación de Lucia de toda la vida por los animales la llevó a darles una personalidad. 

Al imaginar lo que éstos podrían hacer si se los pusiera en situaciones humanas, escenificó cuadros que resaltan todavía más su inocencia. 

Con esta colisión entre  el ser animal y las personas logró crear un mundo caprichoso, teatral, tierno y humorístico con el que podemos llegar a relacionarnos a nivel emocional.