miércoles, 29 de septiembre de 2021

¿Quién fue Il Bronzino?

El manierismo es un movimiento artístico único y original y Bronzino es un pintor poco convencional. Sus pinturas son una rareza en la historia del arte. La atención a los pequeños detalles y el realismo extremo, hicieron de él un innovador total.  

Agnolo di Cosimo, Il Bronzino fue un pintor y poeta italiano considerado el artista más sobresaliente del estilo manierista toscano y su obra tiene un valor inestimable. 

Bronzino nació en la bella y abrumadora Florencia y estuvo en este mundo entre 1503 y 1573.

A menudo se ha calificado a su obra como fría y artificial, y su reputación se vio afectada por el desagrado crítico general asociado al manierismo en el siglo XIX y principios del XX; afortunadamente, las últimas décadas han sido más agradecidas por su arte.

Como pintor de la corte de los Medici, realizó un gran número de retratos y de pinturas religiosas. Su estilo es distante, refinado, aristocrático y técnicamente brillante en la ejecución de detalles y colores. Sus obras de temática religiosa muestran las características típicas del manierismo, como el alargamiento de las formas y la composición abigarrada y angulosa. Dejó retratos impecables y acerados de los personajes de aquella corte, acaso su altiva frialdad se atempera un tanto ante los niños.

Asimismo creó pinturas mitológicas revelando su amor por el simbolismo complejo y las poses artificiales; el artista desplegó maestría para el desnudo y capacidad para hacer del afectado refinamiento un método de seducción.

Se formó con Pontormo, el principal pintor florentino de la primera generación del manierismo, y su estilo estuvo muy influenciado por él pero las figuras de Bronzino son elegantes y muy decorativas y siempre aparecen tranquilas y reservadas, sin la agitación y emoción de las de su maestro.














jueves, 23 de septiembre de 2021

=^.^= Hello Kitty! Embajadora de la Felicidad 😺🎀🌺

Con su moño singular sembrando alegría Hello Kitty por el mundo va. 

Vamos a conocer un poco más sobre el personaje amigable que destella ilusión por donde pasa? 

Kitty White nació el 1º de noviembre de 1974, es del signo de Escorpio, vive en los suburbios de Londres con sus papás y su hermana gemela, Mimi. 

A la bobtail blanca le encanta viajar y sueña con ser una gran pianista, jugar al tenis y escuchar música; su lema es "nunca es demasiado tener muchos amigos" por eso su palabra favorita es Amistad, ella es muy activa y sociable y es una gran estudiante de inglés, música y arte.

Le gusta comer la tarta de manzanas que prepara su mamá y adora las galletitas que su hermana y abuela hacen también, es una gatita-niña dulce que sabe cómo disfrutar de la vida.

Todo en su mundo es especial y se mide en manzanas, por ejemplo: ella mide 5 manzanas y pesa 3 manzanas y todo es de color rojo como predijeron las estrellas al momento de ella nacer. 

En su mundo el cielo es rojo, los árboles, y hasta los maccaroni con queso colorados son! incluso los perros, las bananas, los paraguas, las montañas y por supuesto las manzanas. Es que de este color todo se saborea mejor. 

Las cosas no parecen ser tan difíciles cuando Kitty y su amiguito pez se juntan a divertirse, hacen burbujas y chapotean en el agua haciendo a todos reirse. Dan vueltas en bicicleta bajo el agua y cuentan ovejitas marinas cuando se cansan. 

Madurar a veces puede ser duro pero Kitty siempre nos acompaña emocionalmente. Existe un lado oscuro en todo ese asunto de crecer, dice esta niñita, mitad persona mitad gatita.

La amo, se nota? comenzamos una vida juntas un día, y descubrí que, como yo, la pequeña felina tiene dos mascotas: un hamster que se llama Sugar y la otra es una gatita llamada Charmmy, que es muy parecida a su dueña y usa en el cuello la llave de la cajita de joyas de ella; representa a su alter ego.

Ahora ya la conocen mejor!

Hello Kitty y yo esperamos que tengan mucho amor y armonía esta nueva Primavera 🌺






  




domingo, 19 de septiembre de 2021

Carlos Páez Vilaró, creando con la Ayuda de algún Angel Misterioso

Carlos Páez Vilaró fue uno de los artistas uruguayos más significativos del siglo XX y es conocido por sus murales y pinturas especiales pero también lo es por su espíritu aventurero, por su hacer volcánico,  por la tragedia de los Andes, por su constante canto a la vida, por su culto a la amistad, su don de gente y optimismo. 

Don Carlos vino al mundo el 1ª de noviembre de 1923 en Montevideo, trabajó como aprendiz de imprenta en Buenos Aires pero regresó a Uruguay a fines de la década del '40 para continuar su carrera artística, la cual fue amplia y hermosa. En ese mismo momento Vilaró se sumergió en la cultura de los uruguayos negros, cuyas tradiciones inspirarían gran parte del trabajo de su vida.

Con ese estilo propio que revelaba su personalidad creativa Páez Vilaró fue un autodidacta amplio; fue pintor, escultor, guionista, constructor, viajero prolífico y arquitecto que defendió la música y la danza afro-uruguaya, creó coloridos murales en decenas de ciudades de todo el mundo y construyó una enorme "escultura viviente" que se convirtió en un ícono: Casapueblo, que creció como un collar de perlas y fue su taller definitivo; durante medio siglo se desarrolló hasta convertirse en lo que es hoy: hotel, museo-taller, restaurante, una de las postales más reconocidas de Uruguay y la obra que marca su legado. 
El edificio blanco incluye formas orgánicas inusuales que recuerdan la casa laberíntica de Salvador Dalí en la Costa Brava de España, o algunos de los edificios de Antoni Gaudí en Barcelona. 

Pero el artista sufrió un hecho terrible que marcaría también su trayectoria; fue uno de los momentos más difíciles de su vida y se produjo en el invierno de 1972, cuando un avión que transportaba a su hijo Carlitos y otros miembros del equipo uruguayo de rugby Old Cristians se estrelló en los Andes chilenos. Cuando las autoridades abandonaron la búsqueda, Vilaró nunca dejó de buscarlo. Finalmente, después de 72 frenéticos días, el hijo del pintor fue encontrado entre los 16 sobrevivientes cuya odisea fue contada en la película "Viven!".
 
Por toda esta riqueza vital es que su presencia insiste en quedarse en la memoria de su pueblo. Los enormes murales del artista aún se pueden apreciar en docenas de edificios públicos de todo el mundo, incluida la sede de la Organización de Estados Americanos en Washington y la Biblioteca Nacional de Argentina en Buenos Aires y convencido de que el color puede aliviar el dolor, pintó numerosos murales en hospitales, especialmente el Hospital de San Fernando de Chile y el Hospital Universitario de Georgetown en Washington. 

El hombre que lo intentó todo, el infatigable creador que construyó una vida de recuerdos y nostalgia, el año 2014 dijo definitivamente "Bye, Sun" en Punta Ballena, en su Uruguay natal. 















miércoles, 15 de septiembre de 2021

Analizando a La Primavera, de Botticelli

Mientras espero la llegada de la estación de las flores, voy a analizar un cuadro que me gusta mucho y es mundialmente famoso, se trata de "La Primavera", de Sandro Botticelli (1445-1510) uno de los cuadros más célebres del Renacimiento italiano porque transmite poesía lírica. 

Corresponde al período denominado Quattrocento (siglo XV), época de búsqueda yrecuperación de la cultura clásica, dominada por el pensamiento neoplatónico de los Humanistas reunidos en Florencia. Este cuadro fue realizado para Lorenzo di Pier Francesco de Medici.  El precioso temple sobre tabla se encuentra en uno de los museos más bellos del mundo: la Galería degli Uffizi. 

En el célebre lienzo podemos apreciar una serie de personajes femeninos y masculinos en un entorno natural, en un jardín florido y con árboles que en su mayoría son naranjos. 

Las figuras aparecen agrupadas de tres en tres o de una en una y todas envueltas en un ambiente festivo, como si estuvieran bailando.

Hasta aquí lo que vemos, pero quiénes son, qué representan y sobre todo, cuál es el simbolismo? algunos opinan que se trata de un "ballo in maschera", es decir un baile de disfraces pero... no lo creo, realmente.

Hay teorías más sofisticadas; hay quien dice que se trata de una alegoría de la filología, es interesante y podría ser, pero hay algo que es indudable y es la identificación de los personajes que, claramente, están relacionados con la mitología y con un poema de Poliziano, amigo personal de Botticcelli.

Leyendo el cuadro de derecha a izquierda, podemos ver a una figura azulada que se trataría del viento Céfiro, viento que está abrazando o poseyendo a la ninfa Cloris que de su boca nace un ramo de hojas o de plantas y ésta se metamorfosea en la tercera figura que vemos en el cuadro: Flora, la diosa de la primavera que es quien da título al cuadro. 

En el centro de toda la composición aparece una figura que se trataría de la diosa Afrodita, diosa del amor.  Por este motivo a la obra se la ha llamado asimismo el Triunfo de Venus o el Triunfo del Amor.

Ella está como envuelta en una especie de arco formado por esos árboles que vemos al fondo y sobre ella aparece un pequeño personaje alado que, casi sin ninguna duda, tendría que ser el hijo de Venus, es decir, Cupido que tiene los ojos vendados y está tensando un arco con una flecha en llamas y la está apuntando a una de las tres siguientes figuras femeninas, probablemente las más bellas de la composición; una de las interpretaciones dice que representan a Las Tres Divinas Gracias, ninfas de la naturaleza, personajes mitológicos que danzan entrelazandos sus manos vestidas con túnicas vaporosas. 

La flecha de Cupido parece señalar a Cástitas, que está de espaldas. 

La última de las figuras, la que está en el extremo izquierdo, es el dios Hermes o Mercurio en la mitología romana que en su mano derecha sostiene el famoso caduceo que lo identifica. El caduceo es una especie de bastón con serpientes entrelazadas y con él, el dios está removiendo unas nubes. 

Así se cierra el ciclo de esta obra, con Hermes mirando al cielo. 

Así que adivinar el sentido de todos estos personajes parece difícil de interpretar pero, podría decir que se trata de una gran alegoría del amor en diferentes manifestaciones. Algo que en el neoplatonismo se trataba mucho ya que interesaba en gran medida. 

Pero hay otra curiosidad y es que hay una tesis doctoral que ha descubierto que las decenas de plantas del prado son las mismas que crecen todas en la Toscana, en el entorno de la primavera. 

Se ha podido identificar una a una, lo cual nos habla de los conocimientos que poseía el propio creador de la obra, Alessandro Botticcelli. 

Otra curiosidad: los naranjos crecen en invierno, mientras que las flores lo hacen en primavera, entonces, porqué este anacronismo? quizás se deba a que las naranjas simbolizan el oro, la abundancia y el dinero de la familia Medici, una familia de mecenas y banqueros a la cual le interesaba bastante acumular riquezas. O quizás se trata de duraznos, o damascos.

Aquí llego al final del análisis de uno de los cuadros más bellos y famosos de todo el Renacimiento italiano que es poesía en color, poesía en pintura. 

sábado, 11 de septiembre de 2021

El Café... Divino

Según la leyenda, mucho antes de que el café se convirtiera en imprescindible para nuestra sobremesa y para iniciar la jornada medianamente despiertos, los primeros en experimentar sus euforizantes efectos fueron, en este orden, un grupo de cabras yemeníes y su joven pastor.

Al parecer, allá por el siglo IX, un muchacho que cuidaba su rebaño se percató de que sus animales, después de comer las bayas rojas de un arbusto para él desconocido, parecían poseídas por una gran felicidad y brincaban alegres y juguetonas. Él mismo probó dichas bayas, encontrándose en un estado parecido al de sus cabras. En aquellos tiempos, estas cosas solían ser asunto del demonio, por lo que el pastor fue a consultar con el prior de un monasterio cercano. 
El prior comprobó por sí mismo la historia del chico y aquella misma noche se le apareció Mahoma para enseñarle cómo tostar los granos del cafeto y realizar con ellos una infusión que ayudara a los monjes en sus vigilias.

Cierta o falsa la leyenda, el café era muy utilizado entre las comunidades musulmanas como remedio medicinal, y su preparación fue, durante siglos, un secreto muy bien guardado. En el siglo XVI penetró en Europa por Venecia, y luego se convirtió en la bebida más popular del mundo, creo yo.

Luminarias del siglo XVII se reunieron para discutir de ideas basadas en la razón, lo que ahora llamamos la Ilustración.

Ya sea que vayamos sólo para pensar y contemplar, o a reunirnos con amigos y charlar sobre la vida, el trabajo y cosas mundanas, piensen que allí es donde nacieron nuestras ideas modernas de libertad, progreso, tolerancia y fraternidad. Para mí, un caramel macchiatto!

Cafe De Paris by Richard Edward Miller
The Cafe Terrace on the Place de Forum, Arles, At Night
by Vincent van Gogh
Terrasse de Cafe by Delphin Enjolras
The Cafe Royal, London by Sir William Orpen
Cafe de Paris by Jean-Georges Béraud
At the Cafe by Robert Koehler
In the Cafe by Gotthardt Kuehl
The Terrace Cafe, Mar del Plata, Argentina by Eugenio Alvarez Dumont 
Cafe in Venice by Manuel Domínguez Sánchez

lunes, 6 de septiembre de 2021

Atrás en el Tiempo: un Viaje por la Avenue des Champs Élysées

Aux Champs Élysées..! 
Aux Champs Élysées..!
quién es el suertudo, 
quién alguna vez fue?

Antes de Luis XIV, el área de Champs Élysées era campos y huertas pero, en 1667, el arquitecto paisajista francés André Le Nôtre, que había diseñado los jardines de Versalles, amplió el Jardín de las Tullerías para formar los jardines de los Campos Elíseos, un lugar donde los parisinos ya celebraban, se reunían, paseaban y se relajaban.
Campos Elíseos significa el lugar de descanso final de los héroes de la mitología griega, llegaban allí las almas de los virtuosos, héroes e iniciados. 

A finales del siglo XVIII, el hermoso paseo se había convertido en una avenida de moda. Los árboles a ambos lados formaban elegantes arboledas rectangulares.

Le Nôtre planeó un paseo amplio, bordeado con dos hileras de olmos a cada lado y parterres de flores en el estilo simétrico del jardín formal francés.
En 1828, se agregaron senderos y fuentes, luego iluminación de gas. En 1834, bajo el rey Luis Felipe, el arquitecto Jacques Ignace Hittorff recibió el encargo de rediseñar la Place de la Concorde y los jardines de los Campos Elíseos.

El principal monumento del boulevard, el Arco del Triunfo, fue encargado por Napoleón después de su victoria en la batalla de Austerlitz. Pero, después de la caída del poder de Napoleón en 1815, el Arco del Triunfo quedó inconcluso, y finalmente fue completado por el rey Luis Felipe en 1836.

El emperador Napoleón III seleccionó al parque como el lugar de la primera exposición internacional de París: la Exposición Universal de 1855.
Luego de la Exposición, en 1858, los jardines se transformaron de un diseño francés formal en un jardín pintoresco de estilo inglés, con arboledas, macizos de flores y senderos sinuosos  y hermosas hileras de castaños reemplazaron a los viejos olmos cansados.

En 1860, los comerciantes de la Avenida se unieron para formar un sindicato, el comité permanente más antiguo de París, para promover los intereses comerciales a lo largo del esplendoroso paseo. 

Desde entonces, además de la presencia de grandes museos, es el hogar de marcas de lujo como Louis Vuitton, Hugo Boss, Lancel, Guerlain, Lacoste, Hôtel de la Païva, Élysée Palace, Fouquet's y muchísimas tiendas insignia más. En la avenida más famosa de París está todo lo que amás, sííí!!

The Arc de Triompne by Jean-François Raffaëlli
The Champs-Elysees during the Paris Fair of 1867
by Pierre Auguste Renoir 

The Champs Élysées Evening, by Frederick Childe Hassam
Exposition Universelle
La Patisserie Gloppe au Champs Elyssées by Jean-Georges Béraud
At the Champs Elysees Gardens by Victor Gabriel Gilbert
Parisienne au Rond-Point des Champs-Elysées
by Jean-Georges Béraud