Las 8 Pinturas más Bellas sobre la Navidad✧༺♥༻✧

El nacimiento de Cristo es uno de los acontecimientos bíblicos que más ha sido retratado a lo largo de la historia y, como Diciembre para mí es un ángel inspirador, preparé ocho de las más bellas y representativas pinturas ejecutadas por algunos de los mayores maestros del arte europeo. 

Cada artista ha interpretado el providencial momento del nacimiento de Jesús desde su propia religiosidad, dotes artísticas y estilos de época✧༺♥༻✧              

1. "El Nacimiento de Jesús" de Giotto Di Bondone. Obra elaborada circa 1302 y 1305 ✧༺♥༻✧

2. "La Natividad" de Fra Angélico. Circa 1437 ✧༺♥༻✧

3. "Tríptico de Santa Columba. Adoración de los Magos" de Rogier Van der Weyden ✧༺♥༻✧

4. "Natividad" de Sandro Botticelli ✧༺♥༻✧

5. "Adoración de los Pastores" de Giorgione. Circa 1506 ✧༺♥༻✧

6. "Adoración de los Magos" de Albretch Dürer ✧༺♥༻✧

7. "La Adoración de los Reyes Magos" de Pieter Paul Rubens ✧༺♥༻✧

8. "Adoración de los Pastores" de Francisco de Zurbarán ✧༺♥༻✧

Espero que hayan disfrutado de esta selección y les deseo Feliz Navidad y Próspero Año Nuevo!✧༺♥༻✧

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Píldora de Arte: La Virgen del Jilguero, de Raffaello

Es un milagro que hoy podamos disfrutar de esta tabla pintada al óleo que el mercader florentino Lorenzo Nasi encargó a Rafael para celebrar su boda. 

El primer historiador del arte de la era moderna, Giorgio Vasari, narra que la mansión Nasi se derrumbó en 1547 y la pintura se partió en 17 fragmentos los cuales fueron reunidos pacientemente por Michele di Ridolfo del Ghirlandaio. Es gracias a él que podemos admirar esta obra maestra de magníficos colores. 

En el centro de la escena, está María sentada en una piedra; el Niño Jesús está de pie, con su piecito apoyado en un pie de su Madre como buscando su protección. A la izquierda, San Juancito tiene en sus manos un jilguero al que Jesús le acaricia la cabeza. 

Según la tradición cristiana, el jilguero es un símbolo de la pasión de Cristo ya que durante la crucifixión, el ave trató de sacar las espinas del cuerpo de Jesús y, por esta razón, su plumaje está manchado de sangre. 

Madonna del Cardellino

Píldora de Arte: Virgen del Gran Duque, de Raffaello

La Virgen del Gran Duque, fue pintada durante el breve paso de Rafael por Florencia, unos cuatro años. 

El artista de obras exquisitas pintó esta famosa Madonna de pie, sosteniendo a su Hijo en brazos con  un gesto algo melancólico, con  la cabeza inclinada y la mirada hacia el suelo. 

La imagen del niño es muy tierna, diría que entre ambos vibra una profunda emoción, pero también hay un velo de tristeza a causa del sacrificio que se cumplirá en el futuro.

El lienzo debe su nombre al Gran Duque Fernando III de Lorena que la adquirió para las colecciones de Palazzo Pitti.

Madonna del Gran Duque

Píldora de Arte: Anunciación de Cestello, de Botticelli

Analizaré brevemente esta composición tan hermosa como fascinante. Se trata de una de las Anunciaciones más famosas de la historia del arte. Fue pintada hacia 1489 y es uno de los hitos en la trayectoria artística de Sandro Botticelli. Su composición es tan perfecta que merece que me detenga un momento a analizarla.

En la Anunciación hay dos personajes. A la izquierda, el ángel Gabriel que acaba de posarse (como muestra el ligerísimo velo transparente todavía levantado) y ofrece a María un lirio blanco, símbolo de la pureza.

La Virgen María ha dejado a un lado el libro que estaba leyendo para dirigir su mirada hacia el ángel. Ambos personajes están relacionados no sólo por el movimiento sino también por gestos teatrales y por una línea diagonal. Esta línea arranca del codo del ángel y llega hasta el hombro de María, creando deliberadamente un contraste con las líneas de perspectiva horizontales y verticales del mármol blanco y el suelo de terracota. 

En el paisaje de fondo, que recuerda mucho a la pintura flamenca de aquel tiempo, hay una línea diagonal, la del río, interrumpida por la línea horizontal del puente que conecta las torres de dos castillos pero el centro de la composición son, sin duda, las manos de Gabriel y María.

Las manos del Arcángel y las de la Virgen se acercan, pero no se tocan. Mientras la diestra de Gabriel permanece firme y segura, la de María duda, se repliega sobre sí misma, vacila. Nunca se había visto un juego de manos semejante hasta ese momento. De forma parecida lo haría más tarde Miguel Ángel con su Creación de Adán.

Annunciazione di Cestello

Childe Hassam y las Impresiones de la Belleza

Con los vivos colores de estas hermosas pinturas Frederick Childe Hassam (1859-1935) nos alegra el alma a todos los que nos gusta el arte de la pintura. 

Hassam fue un prolífico pintor y grabador, de los principales exponentes del impresionismo francés en el arte estadounidense. Sus obras se distinguen por la frescura y la clara atmósfera luminosa, aunque tiene una serie bajo la lluvia, magnífica.

El artista estudió en Boston y París donde cayó bajo la influencia de los impresionistas y se dedicó a pintar en colores brillantes con toques de pigmento puro. A su regreso de la Ciudad Luz se instaló en Nueva York, donde pasó a formar parte del grupo conocido como The Ten.

Las escenas de la vida de La Gran Manzana siguieron siendo su tema favorito pero también pintó paisajes de Nueva Inglaterra y Nueva York rural que, con sus intensos cielos azules, exuberante follaje y brillante luz blanca, se hicieron especialmente populares.

La Atmósfera y la Impresión Subjetiva de Lesser Ury

Espero que tu café sepa a magia, tu playlist te haga bailar, los extraños te hagan sonreír y el cielo nocturno te llegue al alma; espero que te enamores de estar viva de nuevo. Hay días que todo eso parece querer decirme Leo Lesser Ury (1861 - 1931) quien fue un pintor y grabador impresionista alemán asociado con la escuela de pintura de Düsseldorf. 

Sus temas fueron los paisajes urbanos y las escenas interiores, y es especialmente conocido por las pinturas de cafeterías nocturnas y calles lluviosas. 

Berlín fue siempre motivo y fuente de inspiración, su preferencia por la ciudad alemana es conspicua; las calles y cafés le proporcionaron repetidamente motivos que resultaron muy populares y tenían mucha demanda. 

A pocos años de su muerte, gran parte de su producción fue destruida por los nazis en su purga de la obra de artistas judíos, pero la fama de Ury ya se había extendido mucho más allá de Alemania. Especialmente las técnicas al pastel, que dieron a su trabajo un carácter reconocible.

El Greco y la Pintura de lo Imposible

Domenikos Theotokopoulos, mejor conocido como El Greco, (nació en 1541 en Creta y dió su último suspiro el año 1614 en Toledo, España) fue maestro de la pintura española; su estilo dramático y expresionista altamente individual se encontró con la perplejidad de sus contemporáneos que lo consideraban extravagante, afortunadamente ganó una nueva apreciación en el siglo XX. 

Actualmente es considerado como uno de los pintores más destacados del Renacimiento español. Sus pinturas son famosas por la intensidad espiritual y el uso de figuras alargadas radicalmente escorzadas, representadas en tonos de piel a menudo brillantes y antinaturales. 

Formado inicialmente en Grecia como pintor de íconos bizantinos, el artista se trasladó a Italia en 1567, donde estudió con los pintores venecianos renacentistas Tiziano y Tintoretto. Una década más tarde se instaló en Toledo, donde pasó el resto de su vida y pintó obras célebres. 

Dicen que tenía un trastorno de la visión que hizo que ocurriera el alargamiento de sus figuras; algunos podrían pensar en esta alteración como algo negativo pero, en cambio, gracias a ese toque se pueden reconocer sus obras en un segundo, y eso es lo que más busca un artista: identidad. 

El Greco es un artista espiritual y perfecto. Dejó un efecto duradero en el mundo artístico, cambiando la dirección del arte de alguna manera. Su estilo es exploratorio y libre, a veces irreal y expresa una espiritualidad única.

Cristo abrazado a la Cruz

Pentecostés

El Expolio

El caballero de la mano en el pecho

Muchacho soplando una vela

La Trinidad

El entierro del señor de Orgaz

John George Brown, el Pintor de los Hijos de los Pobres

John G. Brown nació y estudió arte en Inglaterra, pero eran tiempos muy complicados en su tierra natal  y a sus veintitantos, en 1853, tomó la decisión de emigrar a los Estados Unidos.

Ya en el nuevo mundo, en su flamante destino, alcanzó el éxito como pintor. Esto fue por sus detalladas y sentimentales representaciones de la gente en los centros de inmigrantes. Pintó a los niños y jóvenes de la calle, a los músicos callejeros, a los vendedores, a los limpiabotas y a los sirvientes. 

Eran años difíciles para ser un niño en la Gran Manzana. Había miles de menores que vagabundeaban de aquí para allá, abandonados, sin familia, otros que habían quedado solos tras la Guerra de Secesión que finalizó en 1865 y que debían arreglárselas para sobrevivir, como también aquellos que, si bien tenían hogar, debían trabajar para ayudar a su familia de migrantes, fueran del campo o del exterior, que llegaban a una ciudad que comenzaba a crecer a un ritmo frenético y producía más desigualdad que oportunidades.

Brown conocía en carne propia las injusticias del mundo; por aquel entonces el trabajo infantil era aceptado. No existían todavía en la conciencia social los Derechos del Niño.

El artista optó por no reflejar la realidad de sus vidas; los hizo parecer pintorescos, alegres e ingeniosos. Esto hizo que sus obras fueran muy populares entre el público lo que lo convirtió en uno de los más famosos pintores de género de finales del siglo XIX.